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《火鸟》取材于哪一国家的民间传说故事
《火鸟》取材于俄国的民间传说故事
火鸟取材于哪个国家的民间传说故事
俄国
根据查询光明网显示，火鸟取材于俄罗斯民间童话，是部两幕芭蕾，《火鸟》是俄国作曲家伊戈尔斯特拉文斯基的三大现代芭蕾舞剧中的第一部，是最重要的一部
有关凤凰的故事传说？
这个故事讲了凤凰是如何成为鸟王的
很久很久以前，凤凰只是一只很不起眼的小鸟，羽毛也很平常，丝毫不象传说中的那般光彩夺目。但它有一个优点：它很勤劳，不像别的鸟那样吃饱了就知道玩，而是从早到晚忙个不停，将别的鸟扔掉的果实都一颗一颗捡起来，收藏在洞里。
这有什么意思呀？这不是财迷精，大傻瓜吗？可别小看了这种贮藏食物的行为，到了一定的时候，他可发挥大用处了！
果然，有一年，森林大旱。鸟儿们觅不到食物，都饿的头昏眼花，快支撑不下去了。这时，凤凰急忙打开山洞，把自己多年积存下来的干果和草籽拿出来分给大家，和大家共渡难关。
旱灾过后，为了感谢凤凰的救命之恩，鸟儿们都从自己身上选了一根最漂亮的羽毛拔下来，制成了一件光彩耀眼的百鸟衣献给凤凰，并一致推举它为鸟王。
以后，每逢凤凰生日之时，四面八方的鸟儿都会飞来向凤凰表示祝贺，这就是百鸟朝凤。
中国的凤凰与外国的凤凰有什么不同？
一、形象上的差异
1、凤凰是中国古代传说中的神鸟，是百鸟之王，是集合了多种动物特征于一体的想象性的动物。凤凰是祥瑞、永生、爱情、专制皇权和民族文化的象征。据《尔雅·释鸟》所记载，中国的凤凰形体为“鸡头、蛇颈、燕颔，龟背、鱼尾、五彩色，高六尺许”。
2、凤凰在英语中对应的一词phoenix来源于希腊语，在希腊神话中phoenix被描写为鹭，是一种生活在阿拉伯荒漠的神鸟，体大如鹰，有金、红两色羽毛，艳丽无比。古埃及人则把phoenix描绘成和鹰一般大小，全身长有金色的羽毛，闪光的翅膀、斑斓的外表，鸣声悦耳。
二、起源上的差异
1、中国凤凰的来源，根据神话传说，凤是从东方殷族的鸟图腾演化而成。传说黄帝第一妻室嫘祖是一位绝顶聪明的女人，嫘祖受到黄帝制定的龙图腾的启示后，她仿照黄帝制定龙的图腾的方法，经过精心挑选组成了一对漂亮华丽的大鸟。后来造字的仓颉就为这两只大鸟取名叫“凤”和“凰”。凤代表雄，凰代表雌，连起来就叫“凤凰”。
2、西方phoenix的来源混合了亚述人（Assyrian）的不死鸟和埃及的太阳鸟演变而来。亚述人的不死鸟是西方人最早接触到的凤凰传说，不过它虽然会重生，但却不是浴火重生。埃及的太阳鸟来源于太阳崇拜，世上只有一只太阳鸟，象征着不朽，它和印度的神鸟一样，也是隔300年到500年自焚重生一次。
三、文化意象上的差异
1、在中国传统文化中，凤凰是古代传说中的百鸟之王，雄为凤，雌为凰。西汉的司马相如就有一首著名的琴曲《凤求凰》。后来，中国人把凤和雄性的龙结合在一起，与龙并驾齐驱，有着图腾般的高度，被炎黄子孙世代敬仰、崇拜，从而创造出丰富灿烂的龙凤文化。在中国文化中，凤凰是喜庆、太平、人才、幸福的象征。
2、相比中国传统文化中的凤凰内涵，西方phoenix则更强调了其重生、复活的美好一面。在西方神话中，凤凰（phoe-nix）有“不死鸟”、“长生鸟”的美誉，是“长生不死”的象征。在西方文化中，phoenix不但象征了“重生”、“复活”，还代表了美好的事物，甚至是爱情。
总之，在西方文化中，phoenix所传达的是重生、复苏、完美、爱情等文化含义，与中国传统文化所侧重表达的吉祥、喜庆、高贵不尽相同。另外，在西方文化中凤凰也没有和龙配套而雌化，而是独立的美好象征。
四、凤凰习性的差异
1、在中国传统文化中，凤凰与梧桐树有密切的关系。由于梧桐树高大挺拔，为树木中佼佼者，自古就被看重。
2、在西方文化中，无此文化内涵。
扩展资料：
不死鸟
不死鸟，又译菲尼克斯（英文：Phoenix / the secular bird。希腊文：Φοίνικας/phoinikas）是一种神话中的鸟类。
从它的外观看来可归类为火鸟的一种。不死鸟可能由埃及神话中的贝努传到希腊的。每隔五百年左右，不死鸟便会采集各种有香味的树枝或草叶，并将之叠起来后引火自焚，最后留下来的灰烬中会出现重生的幼鸟。
凤凰
斯特拉文斯基。的国家级代表作
3部斯特拉文斯基代表作，展现20世纪俄罗斯音乐风貌
拥有近200年历史的马林斯基剧院交响乐团，在俄罗斯古典音乐发展史上始终扮演着中流砥柱的角色，其对俄罗斯本土音乐的解读和演绎，也在世界范围得到广泛认可。
11月28日，马林斯基剧院交响乐团将在指挥大师瓦莱里·捷杰耶夫带领下，登台上海大剧院，带来“斯特拉文斯基之夜”。
除了奏响斯特拉文斯基为芭蕾舞剧谱写的《火鸟》组曲、《彼得鲁什卡》，俄罗斯钢琴家丹尼斯·马祖耶夫也将登台献演斯特拉文斯基《随想曲，为钢琴和乐队而作》。20世纪初俄罗斯音乐的风貌，都在这场音乐会里。
瓦莱里·捷杰耶夫和马林斯基剧院交响乐团
三部芭蕾性音乐
《火鸟》和《彼得鲁什卡》均取材于俄罗斯民间故事。
《火鸟》是斯特拉文斯基的成名作，与浪漫主义传统大相径庭，体现出强烈的戏剧性。1910年6月，米哈伊尔·福金编排的舞剧《火鸟》在巴黎歌剧院首演，轰动一时。
《彼得鲁什卡》紧随其后诞生，取材于俄罗斯“忏悔节”集市上的木偶戏。斯特拉文斯基在作品里加入了俄罗斯民歌和仿民歌风格的旋律，充满了民俗色彩，但在曲式上又比《火鸟》更现代、更前卫，直接预示了《春之祭》的问世。
马祖耶夫即将献演的《随想曲，为钢琴和乐队而作》也是芭蕾性音乐，戏剧性强、旋律自由、玩性十足，是一部大型炫技之作。
自1998年赢得“柴可夫斯基国际钢琴大赛”冠军，马祖耶夫便是俄罗斯当代最活跃的钢琴家，他是捷杰耶夫的好友，也是马林斯基剧院的常客。
“斯特拉文斯基在俄罗斯很有影响力，他的《火鸟》《彼得鲁什卡》《春之祭》至今在俄罗斯盛演不衰，有个问题是，斯特拉文斯基有很多曲子，俄罗斯的古典音乐家也很多，但观众总希望听那些最受欢迎的，比如柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫，斯特拉文斯基最常演的曲子除了那三首，其他的也经常被忽略。”
马祖耶夫认为，捷杰耶夫的伟大，在于他把俄罗斯音乐的“百科全书”都放在曲目单里，“这是很了不起的，俄罗斯音乐之多，很难面面俱到，但他一直在挖掘和重现。”
贝加尔湖和蒸桑拿
在俄罗斯，捷杰耶夫有“指挥沙皇”之称，不仅因为他是俄罗斯音乐的捍卫者，“音乐王国”遍及世界，更因为他超于常人的旺盛精力。音乐学者王纪宴甚至形容捷杰耶夫是“永动机”，永不停止演出的脚步，“在你是疯狂，在他是常态。”
马祖耶夫和捷杰耶夫相识十多年，两人携手去过五十多个国家，和不同乐团——包括马林斯基剧院、柏林爱乐、慕尼黑爱乐等世界名团，合作演出过32部钢琴作品。
“认识这么多年，我一直把捷杰耶夫当大哥看，我们不仅谈论音乐，还讨论其他问题。他也像我的老师，每次和他出去，我都像是在上大师班，能从他身上学到很多东西。”马祖耶夫视捷杰耶夫为俄罗斯音乐甚至世界音乐的“顶梁柱”，在世界范围内，很少有人可以像他进行如此高频次的演出，“他简直是住在舞台上的人。”
其实，身形高大如西伯利亚棕熊的马祖耶夫，精力之旺盛也不输捷杰耶夫。
单是去年一年，马祖耶夫就演了260场音乐会，要知道，中国钢琴家里演出频率最高的郎朗，一年也不过120场。对马祖耶夫来说，一天之内奔赴两个城市演出，是再正常不过的事。
都说俄罗斯人是“战斗民族”，这种“战斗性”是怎么炼成的？
“我出生于西伯利亚的伊尔库茨克，捷杰耶夫出生于高加索地区，两边的男性都很强壮。”马祖耶夫哈哈一笑，特意提到自己的家乡离贝加尔湖很近，那里生态条件好，湖水既深且干净，甚至可以直接饮用。
除了自然条件好，“俄罗斯的桑拿很有名，我们蒸完桑拿会用白桦树叶子拍打身体，然后从高温桑拿直接跳进贝加尔湖，这对健康有益。”这些年，马祖耶夫常常真诚邀请世界各地的音乐家尝试这种保健方式，包括捷杰耶夫，“从此以后他们再也不生病了。”
一年260场音乐会，如此高强度的演出量，如何调整自己，保护自己？
“我不是很需要休息。”马祖耶夫一如既往地彪悍，只说每次音乐会之前他都会喝很多水，一到舞台上就兴奋，能量满满，不演奏时反而觉得没劲，还不如在台上欢腾，“音乐会结束时，观众给我的肯定以及舞台上的收获，都能让我一扫疲倦，满血复活。”
除了世界巡演，马祖耶夫还热衷于音乐教育。每年9月，他都会在贝加尔湖举办“贝加尔之星”音乐节，他还办“俄罗斯钢琴家大奖赛”，比赛每年两次，一次在莫斯科，一次在哈萨克斯坦，参赛选手来自世界各地，都在16岁以下。
“我为俄罗斯的音乐教育担忧。”马祖耶夫认为，俄罗斯音乐教育的巅峰在苏联时期，而他做音乐教育的目的，是为了把苏联时期音乐教育的精髓和传统保留下来，培养后代。
在他看来，音乐教育对每个人来说都是必须的，“既然每个人都学字母、都学数字，音符也是需要的，它对人的大脑的成长，对人今后理解整个世界都很有意义。”而那些极具天赋的人只是极少数，“他们是需要被挑选的天才，必须有非常明确、非常系统的训练，和谁学，听什么曲子，都是需要独身打造的。”
天赋和勤奋，对琴童来说哪个更重要？
“这是因人而异的，即便是天才，每个人达到高度的途径也不一样。”马祖耶夫坦言，自己每天练琴2小时，练完就去踢球了，但有些人要练六七小时，并不意味着他没有天赋，只是每个人的训练方法不一样而已。
“这其中起到很大作用的是琴童的家长和老师，他们会给他提供怎样的辅导和训练，决定了他能走向怎样的发展程度。”
不管是马祖耶夫还是捷杰耶夫，两人对推广俄罗斯音乐都有很强的使命感，“一来，就像斯特拉文斯基，有些曲目不常演，我们有必要在世界范围推广俄罗斯音乐。另外，音乐能够治愈人，无论你在生活中遇到什么问题，音乐都有自愈的能量。”
和捷杰耶夫一样，马祖耶夫对足球情有独钟。只要有时间，他就会踢球，他在莫斯科甚至有足球队，球员都是音乐家和演员。
来上海之前，他就听说德累斯顿国家管弦乐团、柏林爱乐乐团和上海交响乐团踢了一场球赛，很遗憾没看到现场。“如果有机会，我很愿意把德国人打得落花流水。”马祖耶夫大笑，2018年世界杯将在俄罗斯举办，他很想在世界杯期间组一个乐手级的联赛，邀请世界各地乐团的乐手来踢一场。
芭蕾舞是属于哪个国家的
芭蕾的起源和历史
芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。芭蕾在近四百年的长期历史发展过程中，对世界各国影响很大,流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。
芭蕾的历史，最早的起始可追溯自欧洲文洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，及法国南部的贝根弟地方的宫廷里。每当结婚喜庆，接见外国元首，或其他大庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特小姐和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵结婚之时，这场芭蕾舞的音乐乐谱迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音乐。
芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）时代而臻极盛，路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。1661年，路易十四创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院，专门教授舞艺。这所学校现在属于巴黎歌剧院。而沿用至今的手脚的五个位置和一些优美的芭蕾舞姿则是1700年在这里得到固定的。在皇家舞艺大师博尚(Beauchamp)和音乐家贝弗(Cambefort)及吕利(Lully)的大力提倡下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的重要性大增。于是芭蕾变成了许多新的宫廷舞的来源;诸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈东舞曲（Rigaudon）等。在这些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），吕利于1653年，开始参加法国宫廷的芭蕾活动，而达到高潮。他当时正与莫利哀（Moliere）合力制作戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（Comedie Ballet）。1760年发表的《小绅士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是这类舞剧最著名的代表作。吕利又把芭蕾应用于他所作的歌剧中，他的两位后继者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮制。尤其是拉莫的作品，因夹杂有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富风趣。这当然和他的个性与背景有关。英国方面又创造一种特殊的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。到了17世纪后半期，维也纳已成为芭蕾演出的中心。然而当时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“革新”的争论，“严格”与“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”与“标题舞艺”的争论，以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。这些观念在20世纪的今天，多多少少还有它的余波，时而争论不休。
从1789年开始，出现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时期）芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后，尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区，竭力回归动作本体，以美籍俄国芭蕾大师乔治?巴兰钦（1904—1983）为首的“纯芭蕾”（即非舞剧式的芭蕾作品，又称“新古典芭蕾”）开始占领主导地位以来，才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个：前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。当代芭蕾呈现出空前的普及和繁荣，代表性人物和团体为捷克人伊日·基里安（1947— ）和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?福赛特（1949— ）和他的德国法兰克福芭蕾舞团。
芭蕾分类
1、音乐芭蕾
以展现舞者技巧为主要目的，例如圣桑的"垂死的天鹅"。
2、剧情芭蕾
顾名思义为有剧情的芭蕾舞蹈。
3、 浪漫派
又俗称"白色芭蕾"，女舞者以身着白色钟罩型纱裙著称。例如亚当的"吉赛尔"。
4、古典派
女舞者穿著华丽的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鹅湖"。
5、现代派
例如史塔温斯基之"火鸟"。
6、歌剧芭蕾
在歌剧当中穿插的芭蕾舞，例如歌剧"威廉泰尔"当中的芭蕾。
舞鞋
女性芭蕾舞演员的舞鞋鞋尖加硬，使他们能用脚尖跳舞而不会伤害到脚。
肢体语言
所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如"阿拉贝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各种"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打开以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及"泼德布拉"（port de bras）等。古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些"字母"写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
脚部的五个基本位置：
第一位 : 两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度
第二位 : 两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上
第三位 : 两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开
第四位 : 两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转
第五位 : 两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转
手部基本位置：
1.瓦卡诺娃派(俄国派)
第一位 : 双手在正面的腹前成自然圆
第二位 : 双手在旁侧伸,在视线范围内,手心向内
第三位 : 双手上举在头上方的视线内
2.却革底派(意大利派)
第一位 : 双手垂下成自然圆,手指轻触在大腿旁的位置
第二位 : 双手在旁侧伸
第三位 : 一手在身体前手心向内,另一手在旁侧伸
第四位 : 一手在身体前与横隔膜保持相同的高度,然后同时上举在头的上方.
古典式芭蕾舞衣
裙子的长度，不超过膝盖，是短式的，不过袖子有无袖的，长袖的，灯笼袖等
1、纯白色古典芭蕾舞衣
例如"天鹅湖"中的白天鹅
2、 全 黑 或 鲜 红
前者例如"天鹅湖"中的黑天鹅
3、灯笼袖配背心
例如"柯贝莉亚"第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚
4、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之
5、上下色彩不同的芭蕾舞衣
浪漫派芭蕾舞衣
它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。
1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣
例如"四人舞""玫瑰花精"。
2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰 例如"吉赛尔"第二幕，"仙女"舞剧
3、村姑式舞衣
背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如"吉赛尔"第一幕，"柯贝莉亚"第一幕，"风流女儿"舞剧。
角色
古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。
如果我们对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：
1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。 古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda)双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
舞蹈术语
一、舞蹈形象： 以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
二、舞蹈表情：根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。
三、舞蹈动作：舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括：
1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作；
2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作；
3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。
四、民间舞（folk dance）：泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。
五、社交舞（social dance）：亦称舞会舞（ballroom dance）泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。
布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。
法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。
舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐，社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。
六、芭蕾（ballet）：法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式；或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。ballet一词源于古代拉丁语 ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台艺术形式，始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年,法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶，“情节舞”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。受浪漫主义文化思潮影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在欧美各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。
七、情节舞：芭蕾术语。原意指结构形势相对稳定，并与剧情发展有直接联系的舞蹈。浪漫主义时期，情节舞的基本结构形势是：“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。20世纪以来，情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念，泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。
八、舞剧：（dance-drama）以舞蹈为主要表现手段，并综合音乐、美术、戏剧、文学等艺术形式，表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为，以及推动情节发展的舞台表演艺术。因剧情需要或时代风貌、人物形象不同，舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式，并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。中国舞剧历史悠久，发源于奴隶社会的宫廷乐舞。欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。
九、群舞：（group dance）舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力。（1）有独立的内容和主题，情节完整的舞蹈作品。中国舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄罗斯《小白桦树》，朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。（2）在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。（3）舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”，俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。
